낙화(烙畵)의 근대적 전환
The Modern Transformation of Nakhwa(烙畵: Korean pyrography)
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초록
본고는 조선후기부터 근대에 이르기까지 전개된 낙화(烙畵)의 형성, 양식화, 유통, 전시 과정을 검토하고, 일본의 야키에(焼絵)와의 비교를 통해 낙화의 미술사적 위상과 식민지 시각문화 구조 속에서의 변용 양상을 고찰하였다. 본 연구는 박창규(朴昌珪, 1796~1861)를 중심으로 한 문인화 기법의 수용, 지역 공예 전통과의 결합, 상류층 지식인과의 교유를 통해 낙화가 회화적 위상을 형성해나간 과정을 밝히고자 하였다. 이러한 박창규의 양식은 박병수(朴秉洙, 1858~?)·박계담(朴桂淡, 1869~1946) 등 후손들에 의해 가문 중심으로 계승되었다. 20세기 초 낙화는 조선총독부의 문화정책과 맞물려 제도권에 편입되었으며, 화화회(火畵會), 신문 홍보, 박람회 시연 등을 통해 대중적으로 소비되었다. 특히 박람회장에서의 낙화 시연은 단순한 전통의 재현을 넘어, 식민지 조선을 시각적으로 타자화하는 장치로 기능하였으며, ‘미세모노(見世物)’적 전시 구조와 결합된 제국주의적 관람 체계를 반영하였다. 한편, 일본의 야키에는 귀족적 취미에서 출발하였으나 회화적 정통성을 확보하지 못한 채 공예로 흡수되어 전승되지 않았다. 이는 조선의 낙화가 식민지기 일본에 의해 ‘공예’로 분류되고 소비된 구조와도 연결된다. 아울러 본 연구는 낙화의 해외 유통 경로와 수집 활동을 추적함으로써, 낙화가 일본, 유럽, 미국 등의 박물관으로 이송된 문화적 배경과 제도적 조건을 고찰하였다. 본 논문은 낙화를 통해 전통 회화의 위상이 어떻게 구성되고 분류되었는지를 비판적으로 성찰하고, 나아가 동아시아 시각문화 속에서 회화와 공예, 전통과 근대의 경계를 넘나드는 시각예술의 다층적 지형을 재조명하고자 한다.
Abstract
This study investigates the formation, stylization, circulation, and exhibition of Nakwha from the late Joseon period to the modern era, while also examining its transformation within the structures of colonial visual culture through a comparative analysis with Yaki-e(焼絵), a Japanese pyrography technique. Nakwha has long remained marginalized within art historical discourse, typically confined to the categories of folk painting or craft. This study seeks to illuminate the process by which Nakwha established its painterly status, focusing on the reception of literati painting techniques by Park Chang-gyu (朴昌珪, 1796~1861), the integration of regional craft traditions, and interactions with the elite intellectual class. The stylistic conventions developed by Park Chang-gyu were subsequently inherited through his family line by descendants such as Park Byeong-su (朴秉洙, 1858~?) and Park Gye-dam (朴桂淡, 1869~1946). In the early 20th century, Nakwha was incorporated into the institutional art world through the cultural policies of the Japanese Government-General of Korea and was consumed by the public via the Hwahwahoe (火畵會: Fire Painting Association), newspaper promotion, and live demonstrations at expositions. Particularly, Nakwha demonstrations at expositions served not only as reenactments of tradition but also as mechanisms for visually othering colonial Joseon, operating within imperial frameworks of display that reflected exhibition structures akin to ‘Misemono (見世物: Spectacles).’ In contrast, Japan’s Yaki-e, which originated as an aristocratic pastime, failed to establish painterly legitimacy and was ultimately absorbed into the realm of decorative craft without being transmitted as a distinct art form. This difference mirrors the colonial-era classification and consumption of Nakwha as ‘craft’ within Japanese imperial discourse. Furthermore, this study traces the international circulation and collecting of Nakwha, examining the cultural and institutional conditions under which it was transferred to museums in Japan, Europe, and the United States. These findings demonstrate that Nakwha was not merely a localized craft technique, but rather a hybrid art form operating at the intersection of East Asian painting traditions and colonial cultural politics during the modern period. By critically reflecting on how the status of traditional painting was constructed and categorized through Nakwha, this study seeks to reconceptualize the multilayered landscape of visual arts in East Asia-one that traverses the boundaries between painting and craft, tradition and modernity, within the dynamics of visual culture.