AI시대의 음악 창작과 기계음악성
Music Creation in the Age of AI and the Concept of Machine Musicianship
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초록
본 연구는 인공지능(AI) 기반 음악 생성 기술의 발전에 따라 재조명되고 있는 ‘기계음악성(Machine Musicianship)’ 개념의 음악학적 함의를 탐구하는 데 목적을 둔다. 기계음악성은 단지 기술적 기능에 국한되지 않고, 인간과 기계의 상호작용 속에서 새롭게 구성되는 창작 주체성, 음악적 판단, 인지 구조의 변화를 드러내는 이론적 개념으로 이해될 수 있다. 이를 위해 고대 자동기계의 기술적 실험에서부터 오늘날 인공지능 작곡 시스템에 이르기까지 음악 창작 기술의 역사적 계보를 검토하고, 다양한 기술적ㆍ철학적 논의들을 바탕으로 기계음악성이 창의성 개념을 재구성하고 예술 인식의 경계를 확장하는 방식을 분석하였다. 특히 감각 구조와 창작 조건의 전환이 음악 수용 방식에 어떤 영향을 미치는지를 고찰함으로써 음악의 존재론적 기반을 되묻는 사유의 틀을 제안한다. 이로써 기계음악성은 단지 기술 응용의 결과가 아니라 동시대 음악을 이해하고 재정의하기 위한 유효한 이론적 자원으로서 기능할 수 있음을 제안한다.
Abstract
This study investigates the musicological implications of machine musicianship, a concept gaining prominence with the advancement of artificial intelligence (AI) in music generation. More than a mere aggregation of technical functions, machine musicianship is conceived as a framework that reveals evolving conditions of musical agency, judgment, and cognition through human–machine interaction. To contextualize this notion, the study traces the historical genealogy of music-making technologies, from ancient automata to contemporary AI-based composition systems. Drawing on technical and philosophical discourses, it examines how machine musicianship reconfigures creativity and redefines the boundaries of artistic perception. By analyzing how shifts in sensory structures and compositional processes affect modes of reception, the study positions machine musicianship as a conceptual framework for questioning the ontological foundations of music. Ultimately, it suggests that machine musicianship should not be regarded merely as a technological application, but recognized as a legitimate theoretical resource for rethinking contemporary musical practice.